Jardim da imanência

Jardim da imanência
Exposição individual de Renata Laguardia

A produção em pintura de Renata Laguardia carrega a bagagem da exigência acadêmica e a consciência de que a pintura é um meio de expressão que se cultiva no solo do tempo e brota na intimidade com o material. O mundo em tinta da artista é um lugar fantástico, de imagens estruturadas pela cor e de desvarios repletos de beleza.
O título Jardim da imanência reúne dois conceitos caros a Renata, ambos aproximados do zen-budismo: a imanência e a impermanência. A imanência habita um agora sem começo, meio e fim, um presente pleno que se basta. A impermanência chega com o jardim, que acrescenta a esse presente o tempo do ciclo da vida, com o que nasce, floresce e morre, em um espaço-tempo regido pela efemeridade. O jardim figura no título porque se faz presente na exposição inteira, nos cortes que dividem as cenas e nas passagens de folhagens e flores que retornam de obra em obra.
Na mostra, os cortes secos nas imagens chamam a atenção e funcionam como pontos de direcionamento do foco. Nesse movimento, Renata articula uma antropofagia em que referências da tradição das belas-artes se fundem à intuição, e essa mistura convida a uma leitura semiótica. O significante age para produzir sentido, e os signos se apoiam em cada escolha de representação, desde as imagens selecionadas, até as manchas que liquefazem as formas.
A mostra se inicia antes da entrada na galeria, com uma coletânea de rostos, em sua maioria de antropólogas, sociólogas, escritoras e revolucionárias brasileiras, apresentada em uma instalação desenvolvida para a vitrine. A peça funciona como uma espécie de catalogação e expõe, de modo desconfortável, as ausências que os processos de enumeração produzem, revelando uma contradição entre dar nomes e instaurar regimes de invisibilidade. Nesse contexto, lembra-se do gesto de Mary Beth Edelson ao criar Some Living American Women Artists (1972), em meio ao movimento feminista estadunidense dos anos 1960 e 1970. Edelson produz uma espécie de mapa da produção feminina nas artes visuais estadunidenses ao realizar uma releitura de A Última Ceia, de Leonardo da Vinci, substituindo o rosto de cada personagem por artistas vivas e emoldurando a composição com retratos de outras artistas de vanguarda. Na obra, Jesus Cristo ganha o rosto de Georgia O’Keeffe.
O ponto de partida para o conjunto de Renata foi uma instalação de Gerhard Richter que ela descreve como claustrofóbica. Apresentada no pavilhão alemão da 36ª Bienal de Veneza, em 1972, a série 48 Portraits reúne quarenta e oito retratos de intelectuais e escritores do século XX, todos homens e todos ocidentais. A enumeração de nomes consagrados instala um estranhamento que a artista leva à vitrine ao compor sua própria galeria, agora de mulheres. Entre dezenas de placas de resina, duas aparecem veladas, com um aspecto turvo. Uma retrata a avó de uma amiga da artista, mulher de uma tradição matriarcal, e a outra é a imagem usada, em buscas na internet, para representar importantes personalidades negras, como Dandara, Luísa Mahin e Maria Felipa. Essa repetição visual remonta a um processo dos registros fotográficos e antropológicos no Brasil. Ao longo das missões de registro no país, retratos de pessoas negras circularam por muito tempo sem identificação, e essas fotografias se tornaram, com o passar dos anos, referências visuais públicas. Mulheres negras fundamentais para a história do Brasil, sem rostos registrados, tiveram seu legado preservado pela oralidade, em um processo de resistência. Quando pesquisadores resgataram seus papéis históricos, recorreram a essas fotografias anônimas. Assim, atualmente, a imagem que representa digitalmente Dandara é a mesma que ilustra Luísa Mahin e Maria Felipa.
Em diálogo com o trabalho da vitrine, que já anuncia inquietação, dois interesses convivem nas pinturas. O primeiro é a pesquisa recente da artista, uma releitura poética das soak-stains de Helen Frankenthaler, na qual dilui a tinta e permite que a ação do pigmento na imagem se torne uma coautoria orquestrada. O segundo é o profundo interesse, que ela cultiva há quinze anos, em dar protagonismo à cor, trabalhar escalas de uma mesma tonalidade e evidenciar uma alquimia própria de seu processo. Por cima da figuração, a mancha chega como convite da materialidade a uma autoria compartilhada. A tinta age como uma parceira que conduz o gesto a um território interior, parcialmente fora do alcance do controle. Esse gesto pode ser lido como analogia entre consciente e inconsciente. Renata, apaixonada pelo inconsciente e pela estrutura dos sonhos, encontra nas manchas o lugar em que esse território ganha corpo na tela. É na cor que a artista se conecta à intuição no trabalho, nesse acúmulo de conhecimento sem data nem ordem, que fica imantado ao corpo e se manifesta por meio da pintura.
Em O Homem (2026), a mancha recompõe a relação entre as figuras de uma reunião de homens posicionados para o registro, uma estrutura social de raiz patriarcal. A obra recorre à tradição pictórica de guardar memória. A conexão entre as partes se dá de maneira volátil, e o resultado se dilui, aquarelado como fumaça. Ao atravessar a composição, a mancha funciona como uma correnteza generosa, que passa por todos e mistura o que os traços do desenho antes haviam separado, como um fio condutor de genealogias. Os homens estão embebidos em tons de rosa, e basta essa cor para revelar a fragilidade de uma masculinidade construída como rígida. Uma cadeira vazia, no canto da tela, instaura um espaço para a perpetuidade e para reminiscência dos que já se foram.
A obra de maior escala desta exposição apresenta um jardim com fendas, que surgem no ponto em que o tecido termina no chassi, e a pintura retoma na tela ao lado. Em Ouroboros/déjà vu (2026), mulheres se reúnem em torno de uma mesa. O jardim assume o centro da cena, enquanto a repetição de parte do plano, crava um lugar de continuidade. O título evoca a serpente que devora a própria cauda, símbolo presente em diversas tradições e registrado no Egito Antigo, ligado ao infinito, à renovação e ao ciclo da vida. A percepção dos ciclos se ampliou durante uma residência artística na Suíça, onde a artista viu o outono terminar e o inverno chegar. Para ela, estações muito marcadas aproximam as pessoas do ritmo das folhas que morrem enquanto outras nascem. Em Ouroboro, uma mancha desce sobre o rosto de uma das personagens e liga o corpo à toalha da mesa. Ela escorre e sugere uma ação em curso, um movimento que pertence ao processo da própria tinta e reconfigura o campo de cor da mesa.
Um tempo cíclico rege a exposição, em estado de jardim. Assim como em um horto, cada elemento vive um ritmo próprio. A flor dura poucas semanas, já as árvores atravessam séculos, ambas anfitriãs na cerimônia que revela a vida vivida e toda a vida que há de vir.
As obras reunidas carregam a experiência de quinze anos de produção e olham para o fazer da artista, para a técnica, para o salto criativo e poético que a mancha inaugura, para essa intuição que conecta e impõe presença. Renata revisita a formação de seu repertório e os incômodos que ele impõe hoje, atenta às ausências e aos apagamentos do processo de seleção. É possível notar, mesmo em um conjunto breve, o gesto espiralar da artista, que retorna aos campos de subjetividade que a pintura torna visíveis e segue adiante levando, antropofagicamente, aquilo que carrega consigo. Como todo jardim, a mostra permanece em curso, e cada visita encontra o que floresce, o que se recolhe e o que ainda se prepara para brotar.

Ana Carla Soler
curadora